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【内容提要】本论文是导师欧建平先生为期10年的研究课题《美国舞蹈教育史》中的子课题。文章的重点是探究18世纪美国舞蹈教育的发展情境，明晰并梳理这一特殊历史时期有关舞蹈教育的基本形态和发展脉络，通过对教育理念、教育方式以及教育特点的分析和总结，对其历史地位和现实意义进行较为客观的评述，并在经验和教训中提炼出对当代中国舞蹈教育有益的启示。
【关 键 词】美国；18世纪；舞蹈教育；特征；影响；经验启示
引言
18世纪的美国教育正处于殖民地时期教育的末期(15世纪-1776年前)，以及建国至南北战争以前时期教育的初期(1776年-1861年)。这一时期，舞蹈不仅在剧场中得到了发展，同时也被运用于教育当中。由于上层阶级在剧场舞蹈(主要是指芭蕾舞)和教育舞蹈之间制定的严格界限，18世纪的美国，可用于泛教育概念中的舞蹈只是被限定在社交舞这一特定的形态之上，直到20世纪才慢慢改变。但是作为欧洲舞蹈在北美殖民地的延续，它们都在各自的发展空间中，为美国后来形成自己具有独立品格意义的舞蹈艺术，开辟了一条曲折的发展之路。现实与理想的二重性原则，一直牵引着那些首开舞蹈教育先河的有识之士们不断前行。虽然这时的舞蹈教育，还无法构成今天严格意义上的舞蹈学科，可是经过这一时期的发展，社交舞的地位和作用被大大提升。它在完人教育中所具有的特殊意义，也被逐渐地接受并付诸实践当中。在认同中寻找差异，在差异中求得个性思想的发端，就是对这一时期舞蹈教育最好的总结。
一、18世纪美国舞蹈教育的形态及特征
(一)泛教育概念中的舞蹈教育形态
要准确地了解18世纪美国舞蹈教育的发展状况，我们首先必须要明确两个基本概念，即“教育舞蹈”和“舞蹈教育”。“教育舞蹈”与我们通常所说的“舞蹈教育”有着千丝万缕的联系，只是在教育目的上有所不同。在“舞蹈教育”中，舞蹈本身即为教育的目的，因而它属于专业教育;而“教育舞蹈”主要在于促进人格的形成，舞蹈只不过是实施教育的手段而已，即借舞蹈而教育，或通过舞蹈的教育，因此，它属于普通教育(也称为泛教育，即：有舞蹈，有传承，就会有教育)。
18世纪美国舞蹈教育的主要目的是向人们传授社交礼仪、培养优雅仪态等这些逐步完善人自身修养的内容，是以舞蹈为教育手段，对人进行的一种完人教化功能，而非今天所指的作为一种职业性的培养，它属于泛教育的概念范畴。因此，我们在分析时，就不能拿今天的教育理念和观察角度来审视这一特殊历史时期所出现的舞蹈教育现象，应针对它当时存在的特定环境来进行研究，从而捕捉它真实的话语权。
18世纪美国的舞蹈是以社交舞为主。社交舞作为此时教育舞蹈的主要内容和手段，其教育方式具有相当的特殊性，主要表现为教育空间的多样性，即教育模式不再是单一的学校教育，而是在更广阔的环境中，如舞厅、集会和广场，其舞蹈的样式也是多种多样的。这也从另一个方面反映出教育自身从泛到精至范这一发展规律：泛——教育形态的初探萌芽阶段;精——教育形态的发展、成熟阶段;范——教育形态的定型及普及推广阶段。
另外，我们还应注意到，尽管当时的舞蹈课程缺乏今天我们所强调的系统性和科学性，但是当社交舞作为用于美国教育的第一个舞蹈样式时，人们就已经在实践中发现了它的益处，主要体现在：第一，从个人的层面上，社交舞为人提供了快乐休闲和一种吸引人的社交方式;第二，在教育的层面上，社交舞蹈既是一种健康锻炼的源泉，又是一种教授优雅仪态，在社会中有很高实用价值的舞蹈形式。所以，如果说18世纪美国舞蹈教育的形态，还只是最初萌芽阶段的话，那么这一时期所出现的舞蹈现象和舞蹈方式，就是对这一阶段舞蹈在教育中价值体现的有力指证。它对建国后美国对于舞蹈教育的重新认识，以及19世纪末轰轰烈烈的公共教育运动的发生，是有因果关系的。我们可以把它称之为美国舞蹈教育形成之初的酝酿期，或者说是潜伏期。
(二)欧洲文化影响中的剧场舞蹈与教育舞蹈
美国的舞蹈在20世纪之前主要受欧洲模式的影响。殖民地时期的舞蹈模式和教师主要来自英国，建国后，法国***的爆发更是间接地激活了美国舞蹈艺术的发展，使美国成为很多杰出的法国舞蹈教师与演员逃离政治迫害的避风港。因此，对18世纪的美国来说，不管是剧场舞蹈中的芭蕾舞，还是教育舞蹈中的社交舞，总体上看都属于一种沿袭的模式，特别是英、法两国的舞蹈在美利坚这个新生民族中的延续。尽管从舞蹈的类型、教舞的方式和内容来看，两者间有着明显的不同，而且，这种欧洲特性的舞蹈文化在其移植和适应的过程中，自身也在发生剧烈的变化。但是，美国在舞蹈文化上的欧化倾向，是其当时在种族、政治、经济上严重欧化的结果，也是美利坚民族自身在形成和发展初期无法僭越的过程。
从18世纪直至19世纪，美国剧场舞蹈完全是欧洲舞蹈发生或传播的附属品，根本不是美国本土的艺术。而且，这一时期它在美国的发展地位也不容乐观，直到20世纪现代舞的诞生，以及后来美国流派的芭蕾舞艺术形成时才得以改观。综其缘由，大致有三方面的原因：
1.缺乏变化的剧场舞蹈
18、19世纪时期，美国的剧场舞蹈娱乐功能大于社会功能，这也导致了一条严格的界限存系于剧场舞蹈和社交舞蹈之间。直到20世纪之前，芭蕾舞一直都被认为是缺乏变化且奢华罪恶的源泉。芭蕾为欧洲所支配，美国人不懂芭蕾知识，芭蕾难以赢得中产阶级的兴趣，所以只能忠于欧洲芭蕾的模式、理想和标准;芭蕾舞者也并没有真正从美国人自身的角度，去探索这种舞蹈新的发展方向，它不像社交舞那样，在一开始就将这些既是“最好”也是“地位最低”的舞蹈人，同美国的现实社会联系起来，并把它付诸实践，在个人和教育这两方面提供着益处。
2.从业者窘迫的社会地位
18世纪，剧场舞蹈作为一种外来的艺术，被看作是一项不受尊敬的职业和活动，这种观点在美国本土占据着相当的地位。舞蹈史学家奥尔加·梅纳德(Olga Maynard)曾经写道：“18、19世纪有很多歌舞演员因为收入低下，都在一面跳舞一面在工厂劳作，或做侍女工作。由于这些舞者的社会地位低下，所以她们被社会所排斥，即使他们不是舞者，也不可能会被融进这个优雅的社会。”[1]
