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摄影技巧论文精心整理范文10篇之第三篇：探究舞台场景中摄影的技巧与创作
摘要：舞台摄影由于舞台场景的限制， 光线暗淡， 灯光色彩变化无常， 反差强烈， 舞台表演瞬息万变， 等等， 使得舞台摄影具有独特的魅力， 吸引着舞台摄影者们不断思考与探索要运用怎样的技巧与创作思维才能拍摄出令人心仪的舞台摄影作品。对此， 本文将对舞台场景中摄影的技巧与创作进行分析探讨。
关键词：舞台摄影； 舞台场景； 技巧；
由于舞台摄影属于动体摄影， 摄影者需要具备丰富的经验， 熟练的技术和捕捉瞬间美的能力， 这对摄影者的艺术修养提出了较高的要求。因此， 摄影者应不断提高舞台摄影水平， 并将摄影技巧与摄影者的创作能力相结合， 让二者在实践中相得益彰。然而， 舞台摄影创作也是有规律可循的。尤其在技术方面， 有些方法可以总结归纳， 下面有几点舞台摄影经验与拍摄技巧与大家分享。
1 拍摄前应做的准备
首先， 要对演出场馆有所了解， 场馆规模， 舞台大小， 同时关注剧场制度， 如是否允许拍摄。其次， 演出流程决定了拍摄对象及拍摄重点的选择， 摄影者应提前熟悉演出流程， 对其中的关键环节做到"未雨绸缪".另外， 器材准备精确到位， 只准备拍摄需要的， 不必要的器材， 即使是一张镜头纸也是多余的， 只会对拍摄产生阻力。
2 拍摄位置和角度的选择
剧场正中位置是大多数拍摄者的位置， 虽然可以拍到演员正面和完整的舞台场面， 但光影效果趋于平淡， 人物肢体造型呆板， 缺乏空间感和层次感， 画面效果一般。选择或左或右侧面的30度、45度、60度和90度拍摄， 不同方向的光线相互组合， 不同色彩光源相互交织， 画面会更加立体， 空间感和光影效果也会增强。拍摄角度多选择平视视角， 视角过低， 人物肢体形态的美感难以展现。视角过高， 画面有压缩感， 人物会发生变形。相对低角度的仰视拍摄可以使被拍的动作形态在不变形的前提下， 适度夸张演员跳跃的高度和舞姿的动态美， 近景还能表现动作的张力和舞蹈旋转时的动感[1].此外， 摄影者往往会刻意改变摄影角度， 以达到突出被拍摄主体的目的。此种适度夸张的手法往往能起到"点睛"的作用， 达到事半功倍的效果。
3 大光圈镜头强化视觉
大光圈镜头通光量具有极大的优势， 在舞台摄影中， 采用大光圈镜头能有效缩短曝光时间， 最大程度保证成像的质量。同时， 大光圈镜头所带来的"景深感"可以有效规避背景的干扰， 强化主体， 前后景的虚化也赋予画面更多的朦胧感， 使得画面具有独特的美感。拍摄中， 拍摄者要使光圈、快门、曝光度达到完美平衡。光圈过大， 虽然易得到景深效果， 却可能导致曝光过度， 快门速度过快， 丧失舞台的光影感与律动感；光圈过小， 景深过大， 可能导致画面过于杂乱。所以， 拍摄者需要根据想要达到的画面效果来确定光圈的大小。
4 不要借助闪光灯进行曝光
摄影不仅是一门技术， 它更是一门高雅艺术， 舞台摄影从过去单纯的记录型逐步发展到现在的创作型。光线昏暗时， 借助闪光灯进行拍摄， 可以使拍摄画面更加清晰， 但在丰富的灯光下塑造的角色形象和光影效果会被闪光灯打破， 这些效果恰恰是舞台摄影的精华所在。因此， 舞台摄影中使用闪光灯并不是明智之选。
5 学会抓住精彩瞬间
舞台摄影追求"动静结合", 在动感中寻求刹那的静止瞬间。拍摄舞蹈、京剧武打等动作迅速， 变化多端的舞台场景时， 摄影师的临场反应与技能发挥都是挑战[2].在面对动作幅度较大的摄影对象时， 摄影师应对动作有相应的预判能力， 事先选好最佳拍摄角度、镜头焦距、曝光等， 迅速按下快门记录下精彩的瞬间。另外， 舞台摄影的构图尽量简洁明了， 突出主体， 在处理大场景与突显人物等相关主题中， 应把握好拍摄细节， 明确拍摄主体， 切勿贪多求全， 导致最终得到的画面杂乱无章。拍摄时可以使用三分法构图和井字构图， 这两种构图方式安全、实用、有效， 适用于各类场景。中心对称构图也是在舞台上摄影中较为常用的构图， 宏大的场面搭配对称整齐的构图， 可以使观众以平静之心来欣赏舞蹈。
6 结语
良好的艺术素养离不开不断地学习。"读书与行路"将成为每一个舞台摄影者工作和生活中的"主题".读万卷书是不断从书本中充实并提升自己的文化修养， 行万里路是在不断实践中将文化与思想渗透至作品当中， 使之成为"有灵魂"的作品。摄影者应当秉持这样的信念不断地努力创作， 为寻找属于自己的艺术语言而不懈努力， 发挥自身的创作灵感， 再现精彩的艺术瞬间， 为观众提供舞台摄影的高质量作品。
参考文献
[1]曾萍。漫说舞台摄影中抓拍动态技巧及制作[J].现代经济信息， 2017 （15） :415-416.
[2]刘昶。论舞台摄影在舞台场景中的技巧与创作[J].艺术科技， 2018 （10） :106.